Retrato de un héroe de la Resistencia

Edgar Cherubini Lecuna

París, diciembre 2014

La fotografía fue tomada el 25 de agosto de 1944, el día de la liberación de Paris. La imagen muestra a un grupo de hombres sobre un blindado recorriendo una calle de la ciudad luz en el fragor de los últimos combates para liberarla de la ocupación nazi. En primer plano sobre la plataforma se encuentra el general Philippe Leclerc, conde de Hauteclocque (1902 –1947), comandante de la 9a división de las tropas aliadas y cabeza visible del ejército de las fuerzas de la Francia libre durante la Segunda Guerra Mundial. En segundo lugar, sentado, se encuentra el temible general nazi Dietrich von Choltitz, jefe de la guarnición de París, quien se había rendido horas antes. Detrás de él, de pie, se encuentra un joven de pelo ensortijado y lentes redondos cuyo nombre era Maurice Kriegel, alias “Valrimont” (1914-2006), comandante del Comité d’action militaire (Comac), brazo armado del Mouvements unis de la Résistance (MUR).

La liberación de Francia constituyó una ardua tarea realizada en cuatro años. El 18 de junio de 1940, a los tres días de la invasión nazi y ocupación en progreso, a través de la señal de la BBC de Londres, en la oscuridad de ciudades sitiadas y campiñas arrasadas, una voz recorre Francia lanzando las semillas de la Resistencia, convocando al combate por la libertad. Fue el llamado histórico del General Charles de Gaulle, quien había desconocido el régimen apátrida de Petain y se había refugiado en Inglaterra luego de tratar infructuosamente de convencer al Gobierno de establecerse en Argel, desde donde se reagruparían los ejércitos para recuperar la patria. Ante la entrega de Francia a Hitler por el Estado Mayor, abandonó el país y asumió el mando de la Francia Libre o Francia Combatiente (France Combattante) hasta la liberación.

Ese año se organizaron las primeras redes con la participación de «intelectuales, maestros, periodistas, personal de museos, galeristas, bomberos, mesoneros, mecánicos, peluqueras, que se convierten de un día para otro en personas de acción o en combatientes», escribe Agnès Humbert en su libro Résistance (Bloomsbury, London, 2004). Las arengas radiales se suceden sin interrupción durante meses, brindando esperanza y guía para los franceses patriotas que conformaron un ejército anónimo en las ciudades, pueblos, montañas y bosques, llamado “el ejército de las sombras”. El 28 de junio de 1940, el general de Gaulle insta a los generales y demás oficiales, soldados, marinos y aviadores de los territorios franceses, “con o sin armas”, a plegarse a la Francia Combatiente, a organizarse y los que puedan, acudir a Inglaterra para recibir entrenamiento. Ese mismo día es reconocido por los británicos y países aliados como jefe de los Franceses Libres. Una voz que transmitía convicción, una voz coherente y responsable en medio del caos, la incertidumbre y la angustia, una voz que no cesó en promover la unidad de los franceses, de motivarlos para resistir y luchar por su libertad.

La lucha consistió en reconocimiento e información de los movimientos del enemigo, golpes de mano, sabotaje y operaciones militares contra trenes y convoyes de las tropas de ocupación alemanas y contra las fuerzas apátridas del régimen de Vichy. Se creó una prensa clandestina, se editaron folletos, se crearon centros para la producción de documentación falsa, se organizaron huelgas y manifestaciones, se construyeron bunkers y escondites para los combatientes, así como múltiples redes secretas para el rescate de prisioneros de guerra evadidos, de jóvenes desertores al STO (Servicio de Trabajo Obligatorio) impuesto por los alemanes para el control de los jóvenes y para la evacuación de judíos perseguidos.

Presidido por Jean Moulin, delegado de de Gaulle en territorio francés, en 1943 se reúne por primera vez en París el Consejo Nacional de la Resistencia (CNR), encuentro donde participan partidos políticos y delegados de las confederaciones de obreros y trabajadores, de la CFTC y de la CGT. Se comenzaban a ver los frutos de la Francia Combatiente, de esa unión de militares, políticos, agricultores, obreros y gente común que significó el germen de la reconquista de la libertad, así como del incipiente borrador de los conceptos institucionales democráticos que regirían la futura Francia liberada.

En 2004, el periodista François Ruffin, decide entrevistar al joven de la fotografía del que hablamos al comienzo, que contaba para ese momento 90 años.  Se preguntaba por qué la figura de Kriegel no resaltaba como la de otros líderes de la Resistencia, pues es sabido que fue motivado a engrosar sus filas por un profesor de geografía, Raymond Samuel y su esposa Lucie, ambos cobijados bajo el alias “Aubrac”, quienes en ese momento eran los inspiradores de la Resistencia y posteriormente se convirtieron en un mito de la Francia Combatiente en la zona meridional de Francia, debido a sus acciones militares temerarias durante la ocupación, además de ser personas del círculo de confianza de Jean Moulin y Charles de Gaulle.

El joven periodista comienza la primera pregunta con alabanzas a Henri Tanguy, alias “Rol” (1908-2002), quien ha aparecido siempre como la figura mas relevante de la liberación de París y cuyo nombre se encuentra en decenas de avenidas, calles y plazas por toda Francia. Kriegel, en forma muy amable le interrumpe y le dice que continuará con la entrevista cuando se documente mejor sobre la Resistencia y lo despacha diciéndole que él fue uno de los comandantes del Comité d’action militaire (Comac) y Tanguy era su subalterno.

Tiempo después, cuando Ruffin se sintió preparado y pudo al fin sostener la entrevista con Kriegel, éste habló poco del papel que jugó el Comac en la liberación de París. Entre otras anécdotas, se refirió a sus inicios y a su falta de experiencia militar compensada por lecturas nocturnas sobre la organización de los partisanos yugoslavos y el tratado La guerra de Carl von Clausewitz.  De los líderes de la insurrección el único que tenía experiencia militar era Tanguy, por haber participado en la batalla del Ebro durante la guerra civil española.  Habló de las contradicciones con los mandos aliados en Londres, distantes y sin comprender el momento que ellos vivían en el terreno, ya que sentían que el pueblo francés estaba preparado para la sublevación definitiva. Con sorna, Kriegel le comenta al periodista de cómo el Parido Comunista, siendo uno de los motores de la Resistencia, “engavetó la lucha de clases” debido a la necesidad de aliarse con todos los factores políticos y económicos del país y del financiamiento que recibieron de empresarios, oligarcas y nobles patriotas. Ruffin escribe que el viejo veterano mas bien prefirió hablarle del presente político de Francia, visto por el como una historia inconclusa que esa gesta heroica de jóvenes cargados de valores inició en 1940.

Después de la liberación, en 1946, Kriegel ejerció la vicepresidencia de la Alta Corte de Justicia y le tocó enjuiciar a los colaboracionistas del régimen y a todos los que traicionaron a Francia, llegando al asco al constatar que solo uno de los cientos de jueces de los tribunales franceses se había negado a acatar los dictados del régimen apátrida de Vichy durante la ocupación. A medida que avanza en la entrevista, el periodista se da cuenta de la larga travesía en el desierto de Kriegel, a sus años continuaba portando el estandarte de la dignidad y de la honestidad política e intelectual. Execrado del Partido Comunista francés, debido a sus críticas luego de enterarse del informe Khrushchev en 1956, sobre los horrores del estalinismo, partido en el que había militado desde su juventud.  A finales de los años 60, lideró una cruzada contra la ocupación soviética de Checoeslovaquia, entre otras actuaciones políticas. En tiempos recientes, sus críticas  apuntaron por igual al anquilosamiento y la corrupción de los políticos y de cómo Francia había perdido “su fuerza motriz”, esa que llevó a su generación a luchar por el restablecimiento de los valores republicanos.  Lo extraordinario es que Kriegel, desde el mismo día de la liberación, continuó militando en la sombra, luchando por sus valores y por su país.

François Ruffin publicó el libro Entrevista a mi héroe (Entretiens avec mon héros, Fakir editions, Amiens, 2013), que contiene la apasionante conversación que sostuviera con el veterano dos años antes de su muerte.  Se trata de un pequeño libro de bolsillo, de edición modesta que resume el pensamiento de un hombre común, un joven abogado judío de 30 años, empleado de una compañía de seguros, que de la noche a la mañana decidió cambiar su destino y el de su país, convirtiéndose en combatiente y héroe de la liberación de Francia. En sus páginas el lector descubre no solo un antiguo combatiente sino un militante del presente.

edgar.cherubini@gmail.com

Las pinturas invisibles

Edgar Cherubini Lecuna

París, Octubre 2014

Es una trapacería, no hay otra palabra para definir a unos autodenominados “artistas”, fabricantes de desaguisados.  Eso es lo que he visto en algunos stands de las últimas ferias de arte que he visitado, donde uno no sabe si está observando una exposición de decoradores, artesanos o bromistas.  Muchas de las llamadas obras de arte e instalaciones “vanguardistas” o “posmodernas”, sin ningún discurso conceptual que las sostenga, no son otra cosa que trampas caza bobos instaladas por curadores y galeristas con muchas agallas y poco miedo al ridículo.

Cuando Marcel Duchamp (1887–1968) cuestionó el academicismo en el arte y en 1917 expuso un urinario de porcelana que tituló Fountain, bajo el concepto ready-made art, dio inicio, sin proponérselo, a que muchos otros se sintieran con licencia para matar el arte.  Son vulgares imitadores de las obras de Duchamp, Ray, Picabia o del pop Art de la década de los 50, entre otras tendencias ya agotadas, que estos exponentes del disparate nos tratan de vender. 

Esto viene a cuento después de leer la noticia sobre una exposición en Nueva York de “pinturas invisibles” de una artista llamada Lana Newstrom. «El hecho de que usted no puede ver nada – declara la artista – no significa que no exista la obra, el arte es imaginación, por eso tienes que imaginar la pintura o escultura que se encuentra frente a tí» – dice Newstrom.  La artista crea el «arte invisible” y los coleccionistas pagan miles de dólares por ellas, ha dicho su agente de ventas. Hay un viejo refrán popular que dice: “Donde hay un timador hay un incauto”.

Para dar una idea de las distorsiones del mercado global del Arte, el cadáver de un tiburón sumergido en una pecera con formol del artista inglés Damien Hirst, fue vendido en ocho millones de libras esterlinas (US$ 13 millones) por la galería londinense Saatchi y es considerada por algunos “críticos” como una pieza importante del arte vanguardista. 

Lo mismo sucedió con la calavera del mismo autor, titulada For the Love of God, exhibida en importantes ferias de arte y vendida en 50 millones de libras esterlinas (US$ 80 millones).  Estas piezas y sus exorbitantes precios forman parte de un mercado que contribuye al embrollo existente en galeristas, curadores, críticos, marchantes,  coleccionistas y el público, sobre lo que es o no es arte.

Como lo manifiestan José Coria y Miguel Da Vila (…Watch the box!) “Ahora tenemos un entorno kitsch generalizado donde la pérdida de sentido de la realidad, la saturación de imágenes, la celebración de la frivolidad y el consumo materialista lo son todo. El concepto del arte se ha centrado plenamente en el culto a la personalidad (inculcado por los massmedia) de artistas pseudo-marginales,  pseudo-subversivos que reciclan los desechos de la sociedad y le atribuyen un carácter simbólico y significativo, banalidad que resulta novedosa en un contexto donde los asideros a lo concreto escasean, donde al parecer el retrato de la sociedad contemporánea sólo es posible a través de la falsificación”.  La crítica estaba dirigida, entre otras, a la exposición del joven artista mexicano Gabriel Orozco en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), en 2010, que fue catalogado por la revista Art Now como “uno de los 81 creadores más influyentes de la actualidad”,  refiriéndose a su obra Caja de zapatos vacía (1993), que antes había sido expuesta en la Bienal de Venecia, la Tate Modern de Londres, el Pompidou de París y el Reina Sofía de Madrid.  Tan magnífica “obra” era ¡…una caja de zapatos vacía!.  Críticos de arte, periodistas culturales y curadores que convierten lo banal y nulo en vanguardia, no hacen otra cosa que invitar a la gente a vivir en el mundo de la estupidez. Como afirma Baudrillard, el “arte apuesta a esa incertidumbre, a la imposibilidad de un juicio de valor estético fundado, y especula con la culpa de los que no lo entienden, o no entendieron que “no había nada que entender”. Esta paranoia cómplice del arte hace que ya no haya juicio crítico posible, sólo un reparto amistoso —necesariamente de comensales— de la nulidad”.

Si bien, el arte debe ser completamente libre por tratarse de un mecanismo de expresión del que dispone cualquier individuo, debe existir al menos una dosis de ética en el artista en relación a las obras que exhibe. Esto se desprende del estudio titulado “¿Debe la sociedad tolerar todas las formas de arte?”, de la universidad de Oxford, que cuestiona severamente el significado de Body Worlds, de Gunther von Hagen, exposición itinerante inaugurada en Londres en 2012 y actualmente en algunas ciudades de USA. Se trata de la exhibición de una variedad de cuerpos y órganos humanos reales.  En esta especie de morgue ambulante, promocionada como exposición artística, se observa, entre otros, el cadáver de una mujer embarazada y de su hijo por nacer dentro de su vientre, lo que motivo airadas protestas del público asistente y que fueron reseñadas en la publicación a la que hago referencia.

Cuando alguien abusa de tu buena fe, intentando engañarte o hacerte perder el tiempo, en criollo uno dice que ese individuo te está “embromando”. En el caso de estos supuestos artistas, podríamos decir que están intentando “embromarte”. Son hilarantes las anécdotas sobre el “embromarte”. Se comenta que en una famosa galería de New York, un visitante preguntó el nombre del artista y el título de la obra colgada en la pared de una exposición de “arte conceptual”, tratándose en realidad de la rejilla del sistema de ventilación que tenía incorporadas unas delgadas tiras de tela que oscilaban en el aire. En la FIAC de 2103 en parís, un stand exhibía felpudos usados, eso sí, bellamente enmarcados. Uno de estos aún tenía restos de una plasta de perro, donde el “artista” muy probablemente había limpiado sus zapatos. Tuvieron mucha demanda pese a los altos precios.  El paroxismo de esta confusión generalizada sobre lo que es el Arte en la actualidad, fue lo acaecido en la feria Arco de Madrid, durante la pasada edición en febrero de 2013. Una noche, un vagabundo ingresó a hurtadillas al recinto y se echó en un rincón de una de las salas, donde improvisó su lecho con cartones, bolsas de basura y un saco de dormir con olores nauseabundos. A la mañana siguiente, luego de abrir las puertas de la feria, un coleccionista privado se dirigió a la administración con gran excitación, ofreciendo comprar una de las obras allí exhibidas.  Cuando se dieron cuenta de que se trataba de un indigente durmiendo la mona, alguien con una justificada dosis de cinismo elaboró la ficha de dicha obra: “Técnica mixta sobre cartón: Hombre maloliente, orine y vino”. 

El mercado del Arte se ha globalizado convirtiéndose en un verdadero fenómeno financiero del XXI.  Su desarrollo ha alcanzado proporciones colosales y engloba un portafolio multinacional de ferias, galerías, marchantes y coleccionistas.  Solo para citar algunas cifras, en el 2013 se registraron ventas globales de arte por € 47.4 billones (US$ 65.900 millones), según cifras del TEFAF Maastricht Art Market Report 2014, que incluye galerías, marchantes, subastas y ventas de antigüedades. De esta cifra, US$ 11.500 millones correspondieron a ventas de arte en China, la nueva meca del mercado del arte.

En todo el mundo, el público acude en masa a las ferias, museos y galerías. En París, suman más de 12 millones de visitantes a las exposiciones durante 2013.  La Tate Modern London recibió a 4.747.537, el MoMA a 2.672.761 y el Reina Sofía de Madrid a 2.087.415.

Un fenómeno nunca antes visto. Sin embargo, existe una gran confusión ante el “se vale todo” en el arte, lo que ha ocasionado una crisis de valoración estética aunada a una deslegitimación promovidas por un mercado voraz y muy eficaz en mercadear propuestas insulsas que invaden las ferias y galerías en la actualidad, donde críticos de arte en alianza con galeristas, grupos financieros y medios especializados, persuaden a la gente desinformada a preferir lo falso a lo verdadero, lo insustancial a lo valioso, lo invisible a lo real. Este desconcierto está opacando a los verdaderos discursos del Arte contemporáneo, incluyendo el de jóvenes artistas con investigaciones y propuestas innovadoras. 

edgar.cherubini@gmail.com

Haywards gallery’s invisible show: ‘the best exhibition you’ll never see’:

http://www.theguardian.com/artanddesign/2012/may/18/hayward-gallery-invisible-show

El dilema de Europa: reinventarse o desintegrarse

Edgar Cherubini Lecuna

París, septiembre 2014

Los países europeos encontraron en la Unión Europea la oportunidad única de acordar una unión económica y política para la integración y gobernanza basada en valores democráticos, justicia, derechos humanos y el respeto a las identidades de cada una de las naciones que la conforman. Hoy son 28 países miembros que comparten esa plataforma común, logrando consolidarse como alternativa frente a la supremacía de otros polos de poder global. Mantener la paz y el progreso luego de los horrores de las dos guerras mundiales, en eso consiste el sueño de la Unión Europea, una alianza que engloba las esperanzas de 500 millones de personas. A quince años de su creación, se ha convertido en la primera potencia económica de occidente. Sin embargo, la UE presenta una serie de problemas y fracturas que la sitúan en el umbral de una crisis sin precedentes. A la inestabilidad financiera se une la inestabilidad política en algunos de los países, así como el ascenso vertiginoso de la ultraderecha y la ultra izquierda, ambos enemigos declarados de la Unión Europea y de su moneda única. A este fenómeno se suman las manifestaciones populares que reclaman una mayor participación ciudadana en su propio destino. Otros claman por los valores nacionalistas y la vuelta al terruño, diciéndole no al multiculturalismo mal enfocado y a la inmigración sin control que mina su seguridad social e irrespeta sus valores tradicionales y las normas de convivencia. Los resultados de las pasadas elecciones al parlamento europeo han mostrado la enorme brecha entre la élite dirigente europea y las aspiraciones de la gente común. Todos estos factores alimentan una tendencia eurofóbica que se ha manifestado en algunos de los países que conforman la unión, consolidando un nutrido frente oposicionista en el Parlamento Europeo. Si agregamos a esto la posición separatista de Inglaterra, el panorama no luce radiante. 

La mayoría de los países de la UE se enfrentan al reto de corregir los cada vez mayores desequilibrios macroeconómicos internos, en medio de una persistente inestabilidad financiera, decrecimiento económico y altos niveles de desempleo. La crisis económica y financiera que comenzó en el año 2008 puso de manifiesto las debilidades relativas a la deuda soberana de Portugal, Irlanda, Grecia y España, así como el decrecimiento, déficit presupuestario y desempleo en otros países como Francia e Italia. Recordemos que los criterios de convergencia del tratado de Maastricht estipulan que en los países de la UE, la inflación no puede ser mayor que un 1.5% respecto a la media de los tres estados de la Eurozona con menor inflación, el déficit presupuestario de las administraciones públicas no puede representar una cantidad mayor que el 3% del PIB al final de año precedente y la Deuda Pública no puede representar una cantidad mayor que el 60% del PIB.

Ante las situaciones irregulares de sus economías, esos países han cedido su soberanía económica a Bruselas, que ha implementado mecanismos para la supervisión de sus políticas económicas internas.  Esto último ha disparado los ánimos nacionalistas que reclaman a sus respectivos gobiernos no atender las demandas ciudadanas por dedicarse cumplir las exigencias supranacionales. De hecho, el Parlamento Europeo, elegido democráticamente por los ciudadanos de los 28 países miembros, puede quedar como convidado de piedra ante las decisiones de las instancias políticas y financieras aescala supranacional, alejadas de la opinión de la gente.

Dieu et mon droit

Inglaterra argumenta que la crisis económica de la Unión Europea se solucionaría dejando fuera a los países con problemas fiscales, convencida de que los estados miembros más débiles deberían retornar a sus propias monedas y desligarse de las políticas del Banco Central Europeo (BCE). Alemania por su parte, argumenta que las reglas del club fueron hechas para proteger las desigualdades.

El Reino Unido, desde que ingresó a la Unión Europea ha mantenido su moneda argumentando que perderían con el cambio, así como la posibilidad de devaluación táctica en casos de déficit comercial, aunque la verdad es que una sociedad tan peculiar como la inglesa, que se rige por el derecho divino, conduce con el volante a la derecha y que aún no ha adoptado el sistema métrico decimal, pensamos que no está dispuesta a cambiar su moneda y mucho menos a que otros intervengan en su economía. Inglaterra se ha negado sistemáticamente a alinearse con Alemania, que ha asumido el rol de dictar políticas junto al Banco Central Europeo (BCE). La Gran Bretaña no refrendó el acuerdo de disciplina fiscal de la Eurozona, sin evaluar que eso podría significar el progresivo debilitamiento de la UE. Entre los ingleses, orgullosos de mostrar su economía en crecimiento, ya es recurrente la idea de salirse de la unión. Como dice el motto en francés de la monarquía inglesa: Dieu et mon droit, “Dios y mi derecho”.

El dilema de la globalización

Sobre el conflicto entre decisiones democráticas a lo interno de cada nación y decisiones tecnocráticas a escala supranacional, Dani Rodrick (The Globalization Paradox, 2011), afirma que “no podemos sustentar simultáneamente la democracia, autodeterminación nacional y globalización económica”. Al analizar la globalización económica (la financiera y comercial) concluye  que existe una paradoja: para que la globalización produzca beneficios económicos para toda la sociedad en general, aquella necesita de democracias nacionales fuertes y normas nacionales que protejan a todos los actores socioeconómicos, pero normas que, a la vez, permitan a estos una suficiente interacción y maniobrabilidad internacional. Esta propuesta contrasta con la doctrina predominante en la actualidad que exige que la híper-globalización económica vaya acompañada de instituciones públicas mundiales. El autor ve la globalización como un trilema donde no es posible combinar simultáneamente instituciones nacionales del estado-nación (soberanía nacional), la híper globalización y la democracia. Antonio Roldán Monés (El trilema de Europa), citando a Rodrik, lo resume de esta manera:  (1) la democracia se debilita en el marco del Estado nación si éste está integrado profundamente en la economía internacional; (2) la democracia y el estado nación son compatibles solamente si retrocede la globalización; (3) la democracia puede convivir con la globalización si se articulan formulas de gobernanza transnacional y se debilita el Estado nación.

Rodrick concluye que tenemos que elegir a lo sumo dos de estos tres factores ya que la híper-globalización, mediante la competencia ilimitada internacional, impone decisiones al estado-nación, reduciendo la soberanía nacional. A su vez, estas decisiones (como reducir la fiscalidad corporativa, seguridad social o los derechos laborales) suelen ser de carácter político y estar sujetas a procesos democráticos y de consenso en cada nación. Por tanto, si las decisiones impuestas no son refrendadas vía los procesos democráticos nacionales, no se implementarán y se truncará la híper globalización.

Europa no es una isla

Europa está amenazada desde adentro y desde afuera por el terrorismo islámico y otros factores derivados del entorno postcolonial. Los conflictos en los países norafricanos y del Medio Oriente, han producido 14 millones de desplazados que tratan de colarse en el continente. Por su parte, Rusia ha despertado a la bella durmiente europea con una pesadilla militar al anexarse parte de Ukrania.  Paul Engel, director del European Think Tanks Group, afirma: “Europa no es una isla. Los problemas de Europa necesitan soluciones globales y los problemas globales necesitan de la acción europea. Es urgente abordar los conflictos y la fragilidad estatal movilizando todos los recursos diplomáticos, financieros y militares a disposición de la UE con el fin de prevenirlos. Cada vez más, la expansión de los conflictos violentos no resueltos en África, Oriente Medio y otras regiones vecinas tiene un impacto directo en la UE. Europa sólo podrá garantizar la seguridad de sus propios ciudadanos si hay paz más allá de sus fronteras. En la vecindad europea, la organización Estado Islámico de Irak y el Levante (EIIL) amenaza con desestabilizar gran parte de Oriente Medio. La Unión no puede permitirse el lujo de andarse con rodeos, y necesitará contar con un fuerte mandato por parte de sus Estados miembros para liderar una respuesta eficaz a ésta y otras crisis”. Por todo esto, se hace aun más necesaria la unión política, como única manera de enfrentar tan grandes desafíos.

Reinventar la esperanza

La UE no es perfecta y hay fallas que subsanar, entre otras la de permitir una mayor participación de los ciudadanos en sus decisiones. La UE existe para construir sociedades donde cada individuo tenga la oportunidad de emprender su propio progreso. Para eso, necesita líderes capaces de sacudirse de esas abstracciones económicas insostenibles y próximas a colapsar del todo, plagadas de creciente déficit y desempleo. Dirigentes que no solo apuesten al beneficio de la voracidad financiera de las grandes corporaciones, sino que se planteen construir y desarrollar cuanto antes modelos sustentables, basados en el conocimiento y la información, donde no se confunda a la gente hablando de consumo y prosperidad, mientras se profundizan las desigualdades sociales, se destruye el medio ambiente y se agotan los recursos no renovables. Una Unión Monetaria no funciona sin una Unión Económica y ésta es insostenible sin una Unión Política. Esta última es fundamental para encarar las incertidumbres y desafíos del presente. Europa necesita de un discurso innovador que promueva de una vez por todas un cambio de paradigmas. Para sobrevivir, la Unión Europea necesita reinventarse.

edgar.cherubini@gmail.com

La ética como ejercicio de la libertad

Edgar Cherubini Lecuna

París, agosto 2014

Estamos viviendo una peligrosa declinación de los valores occidentales y en parte se debe a la pérdida del consenso ético sobre la aspiración al Bien, que había sido posible lograr mediante el ejercicio de los derechos humanos y de la subordinación de la Política a la Ética.

Fomentar la capacidad de sinergia para trazar un rumbo hacia nuevos paradigmas, solo se logrará rescatando los valores morales y adoptando una  actitud ética como único terreno sólido desde donde tomar decisiones. Esta reflexión nos lleva a indagar sobre sus orígenes.

El gran paradigma de la educación griega fue el de establecer un ideal para la moral del hombre: la aspiración al Bien y la Belleza. Platón (S. V a.C) afirmaba que “la Belleza es englobante y unificante” y definió el Bien como, “aquello que  eslabona todo el universo sensible e inteligible, lo material, las ideas y las representaciones de éstas, la tierra, los astros, el hombre, la política, las ciencias”.  Pero esta aspiración no nacía del azar sino que eran producto de una disciplina consciente, condensada en el concepto de Areté o Virtud.

En la Ilíada, Homero (S. VIII a.C) cuenta la historia de Héctor, el mejor guerrero de Troya, quien decide defender su ciudad del invasor.  El concepto de Areté o Virtud, es empleado aquí por Homero para designar la excelencia humana, es decir, los rasgos de carácter hacían la diferencia entre un hombre noble y un hombre ordinario. Como afirma Fernando Savater, “Héctor era un hombre como los demás, que ha podido enfermarse o escaparse, más aún venderse al enemigo, sin embargo se decidió por lo más difícil ¿por qué? porque era un hombre libre, capaz de elegir su forma vida; en otras palabras, Héctor era un hombre con “ética”. 

Según Werner Jaeger (Paideia), la fuerza de la nobleza se halla en el hecho de despertar el sentimiento del deber frente al ideal. La actitud del guerrero griego, no significa solamente el vencer a un adversario, sino el mantenimiento de la Areté conquistada tras el rudo dominio de las pasiones, sometidas a una constante exigencia de conducta. Por lo tanto, Areté y honor estaban unidos indisolublemente. El honor no como vanidad, sino como medida de valor por el mérito alcanzado. Aristóteles (S. IV a.C) se inspira en este modelo cuando afirma en su Ética a Nicómaco: “todo lo que nos da la naturaleza lo recibimos primero como potencialidades, que luego nosotros traducimos en actos (…) Quien se estima a sí mismo, debe ser infatigable en su heroísmo moral y, de ser necesario, abandonar todo para apropiarse del Bien y la Belleza”. En otras palabras, esos valores los tenemos en potencia dentro de nosotros y la clave para hacerlos surgir, reside en nuestra actitud, decisiones y acciones.

La Moral (de la raíz Mori: costumbre) tiene que ver con los valores que aceptamos como válidos en nuestra sociedad. Ética es la reflexión sobre por qué los consideramos válidos y por qué decidimos actuar en consecuencia. El ser responsable consigo mismo es el verdadero ejercicio de la libertad, es entender que cada uno de mis actos me va construyendo, me va definiendo, me va inventando, al elegir lo que debo hacer voy transformándome poco a poco, todas mis decisiones van dejando huella en mí mismo y en el mundo que me rodea.  De allí que

Aristóteles en su Ética a Nicómaco, reafirma el concepto ético de la manera siguiente: “Tanto la virtud como el vicio están en nuestro poder.” Al poder decidirnos por la virtud, ejercemos nuestra libertad, nuestro poder, agregando luego una frase lapidaria: “No se puede ser libre por otro”.

Virtud, Ética y Libertad son conceptos inseparables. La palabra Virtud deriva etimológicamente de la raíz “vir”, la fuerza viril del guerrero, el rigor y temple que se imponen en el combate físico y ético. Octavio Paz, lo resume magistralmente: “la libertad no es una filosofía y ni siquiera es una idea: es un movimiento de la conciencia que nos lleva, en ciertos momentos, a pronunciar dos monosílabos: “Si” o “No”. 

edgar.cherubini@gmail.com

Anatomía del instante

Edgar Cherubini Lecuna

París, julio 2014

Bill Viola (1951) se define a si mismo como un escultor del tiempo. Mediante la utilización de cámaras y programas de video de alta velocidad, al ralentizar el movimiento al máximo, este artista logra captar los detalles que el ojo no puede ver, brindando al espectador una lectura inusitada de la anatomía de un gesto. Sus propuestas profundizan en la idea del movimiento, que al desacelerarlo al límite, sin detenerlo, nos muestra un ritmo particular en su fragmentación.  En su intento de conjurar la fugacidad del tiempo, el artista detiene el presente en medio del flujo de una acción, buscando eternizar el instante.

La primera obra de Bill Viola que presencié, Emergence (2.002), fue expuesta en el Getty Museum de Los Ángeles. Se trata de una conmovedora escena inspirada en el Cristo in pietà del pintor italiano del siglo XII, Masolino da Panicale, con una duración de 11 minutos.  Viola interpreta cabalmente el significante simbólico de Masolino sobre la redención.

Bill Viola, Emergence, Getty Museum, Los Ángeles, 2.002.

En lugar de la Madonna y San Juan evangelista, Viola coloca a dos mujeres que presencian cómo una cisterna de mármol comienza a desbordarse en extrema cámara lenta, mientras emerge de entre las aguas un joven de una palidez extraordinaria. El milagro sorprende a ambas, quienes lo reciben en sus regazos y le prestan cuidados y caricias.  El espectador podría interpretar que se trata de una metáfora de la pasión de Cristo, sin embargo, la asociación es ambigua ya que las aguas en las que ha estado inmerso para luego surgir, simbolizan el nacimiento, el bautismo o la resurrección, tal y como lo planteó Panicale en su fresco. Sin embargo, el echo de ser acogido en el regazo de las mujeres simboliza la muerte.  

Masolino da Panicale, Cristo in pietà, Museo della collegiata, Empoli, 1424.

Como ha afirmado el crítico Jérome Neutres, “Viola es un pintor que ha inventado una nueva paleta de colores tecnológica y digital, que utiliza para pintar frescos en movimiento”.  Esto es así en The Quintet of the Atonished  (2.000), donde cinco personas, próximas las unas a las otras, expresan sus emociones sin tomar en cuenta la presencia del otro. En una escena que transcurre durante 15 minutos, solo los personajes están iluminados en un entorno donde se ha abolido la referencia espacial.  El movimiento y las expresiones faciales llevados a una lentitud asombrosa revelan, como en un fresco, la naturaleza y personalidad de cada quien, en medio de una atmósfera psicológica sugerida donde el espectador descubre los estados de desasosiego, dolor, ira y compasión.

Bill Viola, The Quintet of the Atonished, Grand Palais, Paris, 2.000

Otra de sus obras, Tristan’s Ascension (2.005), video utilizado por la Ópera de París este año para la puesta en escena de Tristán e Isolda, describe la ascensión del alma después de la muerte, en el momento en que esta se despierta al ser bañada y luego transportada por los aires a través de una poderosa y estrepitosa cascada en sentido inverso.

En los siete minutos de Reflecting Pool (1977), un hombre surge del bosque y al toparse con una alberca, se impulsa y salta hacia esta para zambullirse, pero al capturar el cuerpo en el aire, el tiempo se detiene y la imagen permanece cuasi congelada mientras el viento mueve los árboles y en el agua se reflejan las nubes en movimiento, el ritmo de la naturaleza continúa inexorable hasta que el cuerpo del hombre se eterniza y se funde con el bosque. Es una búsqueda estética que se aproxima a la meditación.

Lo que Viola propone es como si uno pudiera sustraer una nota de una melodía y escucharla solo a esta sin interrumpir la música.

Al comenzar sus investigaciones sobre la naturaleza del tiempo, San Agustín (354-430), afirma: “El pasado y el futuro son creados y ambos fluyen de lo que es siempre el instante presente”.  Los milisegundos de un gesto mostrado por Viola en sus videos parecen eternos y nos inducen a pensar en la expansión ilimitada que posee nuestra propia vida en cada instante vital y que todo el mundo fenoménico existe en un solo instante de la vida. Sus videos nos conmueven y motivan a reflexionar sobre lo que comúnmente no vemos, que el tiempo es una sucesión de instantes, y si pudiéramos detener uno solo y vivir en él, no tendrían cabida ni la decadencia ni el adiós.

La exposición Bill Viola, en el Grand Palais en París, compuesta 20 obras de este pionero del video arte, estará abierta al público hasta el 21 de julio.  Es la retrospectiva más importante que se le ha consagrado a este artista.

edgar.cherubini@gmail.com

http://www.youtube.com/watch?v=zrkwJosTaOg

http://www.youtube.com/watch?v=As7OtWMYPRc

Los nobles salvajes

Edgar Cherubini Lecuna

París, julio de 2014

Resulta paradójico que para el europeo del siglo XVI, los indios del Amazonas representaron una posibilidad de transformación política y social. Las descripciones que Americo Vespucci hizo de Brasil y del Amazonas en su Mundus Novus (1501) produjeron un impacto tremendo en la sociedad europea de la época. En especial causó asombro la forma de vivir en absoluta libertad de los indígenas, su vida comunitaria liberada de toda moral conocida y su organización social armoniosa, sin propiedad privada, sin religión, ni reyes.  Pensadores del siglo XVI como Thomas More en su Utopía (1516) acogieron la idea del “noble salvaje” del nuevo mundo y su “sociedad comunista” liberada de los “vicios derivados de la propiedad privada” y del “pecado de la riqueza” o de “la frivolidad”, representaban un camino luminoso en medio de la obscuridad y el desasosiego imperantes en Europa. El noble salvaje pronto se convertiría en una teoría política y un llamado a la independencia y a la revolución. Campanella, Bacon, Montaigne y hasta el mismo Shakespeare, cada uno en su momento, expusieron las virtudes de los indios del Amazonas en contraposición a la de los decadentes valores europeos.  Montesquieu en El Espíritu de Las Leyes (1748), hace énfasis en la igualdad: “porque no tienen posesiones, no hay desigualdad”.  Diderot recoge estas mismas ideas en la Enciclopedia y finalmente la Revolución Francesa y los movimientos independentistas de América usan como consignas la “libertad” y la “igualdad”. 

La traducción que hizo Rousseau de Utopía (1780) fue leída y adoptada por Marx como libro de cabecera. Marx y Engels denominaron a las primeras formas de socialismo como “socialismo utópico”, definiendo así lo que debería ser el estado natural de los hombres en sociedad.  De allí que la mayoría de los comentaristas de Utopía refieren a esta obra el origen de las ideas Comunistas de los primeros padres tanto del Marxismo como de la Iglesia. 

Aun en nuestros días la idea del noble salvaje y su sociedad ideal, ha hecho que en la aproximación a la problemática indígena haya posiciones encontradas entre los que piensan que hay que preservarlos de la contaminación cultural occidental, oponiéndose a su proceso de socialización, entre los que se encuentran antropólogos que han levantado en treinta años de activismo dentro de las universidades latinoamericanas, norteamericanas y europeas, lo que han definido como una nueva “antropología crítica”, “progresista”, “comprometida” y “militante. De allí que las etnias del Amazonas hayan sido tomadas por algunos radicales que buscan a través del tutelaje del indígena la posibilidad de realizar al fin la creación de un comunismo utópico, germen de un cambio planetario.

Por otra parte están los que consideran que las culturas representan un dinámico sistema de intercambio y que su integración a la civilización es inevitable. Entre estas dos posturas no hay consenso y por el contrario, abundan las contradicciones, las posiciones radicales y las distorsiones que impiden tener una visión clara de cómo solucionar la dramática realidad que viven los indígenas en el presente.

Pero la supuesta utopía que anunciaron los ideólogos del Foro de Sao Paulo en 1990, transformada en nueva Internacional Comunista, cuando decidieron asumir las luchas de los pueblos latinoamericanos bajo nuevas modalidades, entre otras, la de fomentar movimientos políticos étnicos por los derechos de los indígenas o “pueblos originarios”, se ha transformado en un “se vale todo” para beneficio de las multinacionales en Brasil, Ecuador, Bolivia y próximamente en Venezuela.

Etnias y culturas en vías de extinción

Habitantes originales de la selva, Yanomamö o Yanomamis, viven en los límites virtuales entre Brasil y Venezuela, en un territorio de 250.000 Km².  Su población actual no llega a los 15.000 en Brasil y cerca de unos 11.000 en Venezuela. Los Yanomamis se encuentran hoy en vía de extinción a causa de la invasión de buscadores de oro y la deforestación de sus territorios ancestrales. El Amazonas venezolano y su  territorio de 184.000 Km², forma parte del “pulmón verde del planeta” y constituye una de las más prodigiosas reservas de recursos naturales del mundo, manteniendo el equilibrio climático al producir nubes, lluvias, agua y oxígeno para todo el planeta.  En sus selvas han sobrevivido por miles de años diversas etnias que constituyen los reservorios de la sabiduría ancestral de la humanidad. A título de ejemplo, la cultura y cosmovisión de los Yeküana o Makiritares es un modelo de pensamiento digno de ser incluido en el pensum de estudios de las universidades.  

Sin embargo, es patético el estado de ingobernabilidad de esos territorios. Los garimpeiros o mineros ilegales brasileños, colombianos y venezolanos, arrasan indiscriminadamente la selva y utilizan mercurio en el proceso de extracción del oro, perjudicando los suelos y envenenando los ríos. Están respaldados por inversionistas que los dotan de armas, logística y helicópteros. Utilizan a los indígenas como guías, los esclavizan en las minas, hostigan y violan a sus mujeres. El solo contacto con los nabë o forasteros, desata entre ellos epidemias causadas por virus ante los cuales su sistema inmunológico no tiene defensas. La mayoría de los 11.000 Yanomamis que habitan en el Alto Orinoco padecen malaria, oncocercosis o ceguera de los ríos, tuberculosis, helmintiasis, asma, hepatitis viral y anemia, entre otras enfermedades.

El Amazonas venezolano es el escenario de una lucha de poderes por el control de esos territorios por parte de militares, diversos entes gubernamentales, multinacionales mineras, madereras y agroindustriales, grupos fundamentalistas, garimpeiros y la guerrilla colombiana aliada con el narcotráfico y el negocio del oro. Todo esto amenaza la supervivencia de los indígenas, víctimas desde hace quinientos años de un etnocidio sistemático.

En nombre del “socialismo” se promueve la devastación ambiental

Con la venia del régimen chavista, en Venezuela está en marcha una rebatiña orquestada por intereses muy poderosos que buscan la progresiva ocupación de esos territorios y de sus riquezas naturales. Llama poderosamente la atención que el 20 de marzo se publicó en la Gaceta Oficial No 40.376, el Decreto N° 841, mediante el cual se crea, con un lenguaje Orwelliano, la Comisión Presidencial para la Protección, el Desarrollo y Promoción Integral de la actividad minera lícita, en la Región Guayana. Dicha Comisión busca implementar el llamado «Arco Minero del Orinoco», contemplado en el Segundo Plan Socialista de la Nación 2013-2019. Este nuevo instrumento fue aprobado sin ninguna consulta y acostumbrados como estamos a la anárquica gestión del Estado, coloca en situación de riesgo ecológico y humano dicha región. Por otra parte, está en “estudio” en la Asamblea Nacional una nueva Ley de Fronteras, que permitirá la promoción de actividades de explotación mineras, petroleras, forestales y otros desarrollos en territorios indígenas, parques nacionales, reservas forestales y de biosfera muy vulnerables, que se encuentran actualmente bajo la denominación de Áreas Bajo Régimen de Administración Especial (ABRAE).

¿Quiénes mueven los hilos del régimen detrás de bastidores, para la promoción de los proyectos mineros y de explotación en Amazonas y Guayana? Entre otros, corporaciones Chinas, a quienes el gobierno le ha concedido la prospección minera del territorio nacional. Por otra parte está Brasil, ya que algunos analistas señalan al ex presidente Lula como uno de los promotores de negocios de las multinacionales brasileñas con Cuba y Venezuela. Según el informe Otálvora (Edgar C. Otálvora, Negocios de Lula, Diario las Americas, 23/03/14), “Uno de los negocios que Lula está promoviendo en Cuba es la producción de biocombustibles. Lula viajó acompañado del senador brasileño Blairo Maggi, propietario del Grupo Amaggi, el mayor productor de soya a nivel mundial. Convertir caña en gasolina, es el negocio en el cual Odebrecht y Maggi están interesados”.

Las empresas de Maggi están señaladas por las organizaciones de protección ambiental de Brasil, como las principales causantes de la deforestación de enormes extensiones de bosque tropical. Durante el gobierno del “socialista” Lula (2003-2010), se deforestaron 110.852 Km2 de la selva amazónica, concedidas a corporaciones madereras, petroleras, agroindustriales, mineras y de biocombustibles, sin importarle la destrucción de la mayor reserva de la biosfera del mundo, la desaparición de miles de especies animales y de plantas, así como la extinción de nobles y sabios individuos que conforman las etnias que allí habitan. Los socialistas salvajes del siglo XXI, se encaminan a ocupar nuestras selvas, evitemos su devastación.   

edgar.cherubini@gmail.com

“Dazzle Art” o el arte de deslumbrar

Edgar Cherubini Lecuna

La Bienal de Liverpool y Tate Liverpool, encomendaron al artista cinético Carlos Cruz-Diez, una interpretación del “dazzle camouflage” o “camuflaje por deslumbramiento”, para ser aplicada a un barco en la rada de Liverpool. El proyecto es una colaboración entre la Bienal de Liverpool, la Tate Liverpool, el National Museum de Liverpool y el 14-18 NOW (Comisión para el centenario de la Primera Guerra Mundial). 

Cruz-Diez diseño una Inducción Cromática para el casco de un Pilot Cutter de 1953, conservado por el Museo Marítimo de Merseyside. La inducción cromática, está relacionada con el fenómeno de la post-imagen en la retina, el color es a la vez presente y ausente, existe en un estado virtual pero es tan real como los pigmentos utilizados en la superficie del casco.

El “deslumbramiento” o “Dazzle Camouflage” será rememorado durante la bienal al conmemorarse los cien años de la Primera Guerra Mundial. El Dazzle, consiste en un fenómeno de perturbación de la percepción visual. Fue inventado por el pintor Norman Wilkinson (1878-1971), quien ideó los diseños para camuflar los navíos de guerra de la flota británica mediante complejas tramas de formas geométricas con colores contrastados, que se interrumpían y cruzaban entre sí. Fue ampliamente utilizado como táctica de engaño durante las dos guerras mundiales. A diferencia de algunas otras formas de camuflaje, el “Dazzle” no buscaba que el barco pasara desapercibido, sino provocar notablemente la confusión de los submarinos enemigos al no tener cómo estimar la forma del navío, sus puntos sensibles y la dirección del mismo cuando, desde un periscopio, el artillero se dispusiera a disparar torpedos. Los diseños de cada barco fueron únicos para evitar el reconocimiento.

 El Dazzle Ships Art revive hoy en  propuesta de Cruz-Diez, figura importante en el campo del arte cinético. Sus investigaciones cromáticas han ampliado considerablemente el universo perceptivo del arte, demostrando que el color no depende de la forma. Sus obras forman parte de las colecciones permanentes del Museum of Modern Art, New York (MoMA); Tate Modern, London; Centre Georges Pompidou, Paris; Museum of Fine Arts, Houston; Wallraf-Richartz Museum, Cologne, entre otros.

La Bienal en Liverpool estará abierta al público hasta octubre de 2014.

edgar.cherubini@gmail.com

http://www.biennial.com/

http://www.tate.org.uk/visit/tate-liverpool

www.cruz-diez.com

Buenos aires en blanco y negro

Edgar Cherubini Lecuna

Mayo, 2014

A sus noventa años y después de sesenta años de investigaciones y propuestas en torno al color, Carlos Cruz-Diez muestra su trabajo fotográfico en blanco y negro en Argentina. Estas fotografías revelan una faceta hasta hoy desconocida de este importante artista, uno de los principales representantes del arte contemporáneo y figura relevante del arte cinético.

El conjunto de imágenes que integran la exposición Cruz-Diez en blanco y negro. Fotografías 1942–1986, que exhibe el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA), nos ofrece un testimonio de los caminos que el artista recorrió desde los primeros tiempos de su vida en el arte, en la década de 1940, así como de sus vivencias en Europa en las décadas de 1950 y 1960.

Una fotografía es un fragmento de la realidad

En cierto sentido, el fotógrafo va  apropiándose de las parcelas de la vida que encuentra en su exploración visual, de ese modo desarrolla una estética propia, pero al mismo tiempo, crea una ética visual al decidir lo que desea capturar y detener en el tiempo. Susan Sontag en su libro On Photography 1, habla de la carga social e ideológica que trae consigo la fotografía, al afirmar que “aprendemos a vernos fotográficamente”. 

Para Cruz-Diez, la pasión por la fotografía se remonta a su infancia, cuando construyó una “cámara minutera”, ayudado por un fotógrafo de la plaza del mercado de Caracas. Desde ese momento, la fotografía significó una manera de adentrarse en la realidad de su país y de alguna manera construir su propia identidad.  A los 25 años de edad, su sensibilidad social lo lleva a frecuentar las barriadas pobres de Caracas, captando imágenes que luego volcará en su
pintura de denuncia durante su período figurativo. En la década de 1950, preocupado por encontrar un sentido de pertenencia en su país, Cruz-Diez viaja por toda Venezuela, interesado por las manifestaciones folklóricas, produciendo valiosos materiales sobre los Diablos de Yare y la Parranda de San Pedro, entre otros rituales del sincretismo criollo.

Un ojo indagador

Su ojo indagador lo llevó a explorar otras geografías. En 1955 viaja a Europa. Desde ese momento, sus imágenes transitan de una visión crítica a una comunicación meramente estética. Paisajes, edificios, calles y
texturas cobran un punto de vista particular desde
el visor de su cámara. Las fotografías dan cuenta de una búsqueda intuitiva más allá del objeto fotografiado, reproducen atmósferas abiertas a la subjetividad de quien las observa.

Una vez consolidado su discurso, Cruz-Diez participa en diferentes exposiciones colectivas en Europa, convirtiéndose en un testigo privilegiado de una época clave en la historia del arte contemporáneo. Retrató a Alexander Calder, a Jean Tinguely, a Jesús Soto, a H

oracio García Rossi y a otros importantes artistas con quienes coincidió en la década de 1960. Con razón, Dorothea Lange afirmaba que todo retrato de otra persona es un “autorretrato” del fotógrafo.

Una historia detrás de cada fotografía

Sobre la fotografía y su poder de detener para siempre un instante y que luego lo podamos observar en la superficie de un papel, Susan Sontag escribió: “Ésa es la superficie. Ahora piensen o más bien sientan, intuyan qué hay más allá, cómo debe de ser la realidad si ésta es su apariencia. Las fotografías, son inagotables invitaciones a la deducción, la especulación y la fantasía. Algunas fotografías, siendo imágenes, nos remiten desde un principio a otras imágenes así como a la vida”. Cada fotografía oculta o revela una historia.

Una de las fotografías de gran formato, que cautivó la atención de los visitantes de la exposición, es la que muestra a los protagonistas de la parranda de San Pedro, festividad que se celebra el 29 de Junio en Guarenas y Guatire poblaciones del Estado Miranda, Venezuela. Según la tradición, que se remonta al Siglo XIX, una lugareña llamada María Ignacia tenía una hija, Rosa Ignacia, quien enfermó de gravedad. Su madre le pidió a San Pedro que la sanara, prometiéndole bailar y cantar todos los años en su día si se producía el milagro. La niña se curó y María Ignacia con la niña en brazos, acompañada por su esposo y sus otros dos hijos, comenzaron a pagar la promesa. Unos años más tarde, murió María Ignacia, sin embargo su marido continuó danzando y cantando alabanzas a San Pedro, disfrazándose con ropas de mujer para representar a su esposa, deseando que el milagro que curó a Rosa Ignacia no se revirtiera. Ante tal demostración de amor y devoción, los pobladores comenzaron a participar en la ofrenda al santo milagroso y así comenzó la tradición. 2

Las fotografías de Le Palais idéal du facteur Cheval (El Palacio Ideal del cartero Cheval), despertaron gran interés. Ferdinand Cheval (1836-1924) fue un cartero francés que invirtió 33 años de su vida en construir un palacio, inspirado en un sueño que tuvo a los cinco años de edad. Comenzó la edificación en abril de 1879, utilizando piedras con formas curiosas que encontraba en su ruta postal, transportándolas a mano o con una carretilla. Culminó su obra en 1912.  Para André Breton y los surrealistas, el Palacio Ideal del cartero Cheval, en la Drôme, al sureste de Francia, se convirtió en un lugar de peregrinaje.

El criterio de selección que guió la búsqueda de las imágenes exhibidas, se apoyó no sólo en el sentido estético sino también en el valor histórico y documental de muchas de las fotografías. Para ello se utilizaron los negativos revelados por el mismo Cruz-Diez y archivados desde hace más de sesenta años en los talleres Cruz-Diez de París y Articruz en Panamá.

Estas fotografías estarán expuestas hasta el 13 de julio en el MACBA, un museo dedicado al abstraccionismo geométrico que hoy, gracias a la visión de Aldo Rubino, su director, presenta la exposición Cruz-Diez en blanco y negro, imágenes que representan un nuevo punto de vista sobre la poética visual del artista.

edgar.cherubini@gmail.com

1  Sontag, Susan, “On Photography», Penguin, London, 1977.

2 Carlos Cruz-Diez y Edgar Cherubini Lecuna, Cruz-Diez en blanco y negro. Ediciones Cruz-Diez Foundation, París, 2013.